过程中的渐变
朱以撒

明人陶望龄称：“古人授今，今不蹈古，要以屡迁而日新，常用而不可敝”，又感慨“弘正、嘉隆之间作者林立，古学烂焉修明，而谓一家之言，一代之制，盖有其人焉，而亦鲜矣。”书法家最终的追求，不是与某一古人相近，也不是在广义上博得迹优的褒奖，而是要以个人独到的风格面世，成为一家之迹。从古代书法家中，那些留下比较清晰的创作轨迹的作品，可以清楚地看到发展的方向是由多向而归于一统的。开始是散发式地吸收，在增益中减损，去其抵触、不谐，使其更符合主导情调，而后归于一宗。如何绍基，几乎什么都临写，显示出广博的效仿面和过人的勤奋，末了，我们看到了何绍基与他人不同的面貌——这种百川到海的规律贯穿了每一个个性书法家的一生。

经过几十年的研究、锤拓，到了形成自己的面目，大抵人生过半。当然，也有一些早慧者，青年时期就建构起自己的书法风格。一个人在早期就有朦胧的审美体验，它决定着审美的走向，书体取舍、阳刚阴柔的取舍，用抽象的点线表现出来，并且日渐巩固。这一类书法家较早地为自己的审美活动确立外部形象，甚至决定了时人、后人注意的指向。譬如元人赵孟頫，就是以十分沉稳的书法面貌出现的，从早期到晚期，谈不上欣赏的审美惊奇，变化十分地有限，而常态永远占据主要位置。当代书法家如启功的字迹，也是如此，二三十年间何尝有过造型、用笔的审美惊奇。这样的书法家即便举办一个回顾展，欣赏者所见到的都会是重复的语言现象，都是风格之后形成的一层硬壳——书法家在坐享风格形成的快乐同时，艺术表现力成为重复。

书法风格形成后，的确建立了一个书法家与众不同的品牌，置身在书法的海洋里不至于被淹没。欣赏者正是通过书法风格的差异认识了书法家，认识了他的审美主张。如果一成不变，必然造成审美疲倦

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